Les meilleurs albums de l'hiver 2020

Les meilleurs albums de l’hiver 2020

hypnose

LISTES
Les meilleurs albums de l’hiver 2020

Pour

Bandcamp Daily Staff

·
03 avril 2020

Normalement, ce serait l’endroit où il offrirait quelques mots en essayant de fournir une sorte de récit pour les albums de cette liste. Mais je pense que vous comprendrez quand je vous le dirai: cela semble vraiment, vraiment absurde en ce moment. Nous sommes tous dans un endroit très différent du 1er janvier. Je passe la plupart de mon temps ces jours-ci à me demander quand ce serait bien de quitter à nouveau mon appartement et, le moment venu, si j’ai encore des endroits où aller. Par conséquent, essayer de dire quelques mots sur la façon dont la musique est un «remède à tout» semblerait un peu faux.

Les enregistrements sur cette liste ne vont pas changer ce qui se passe devant toutes nos portes en ce moment. Mais si vous en portez, vous pouvez vous offrir le don d’oublier, même si ce n’est que pour 30 ou 40 minutes. Vous pouvez vous concentrer sur un motif de batterie, ou un riff malade, ou le son de la voix d’un autre humain alors qu’ils exécutent un tour de phrase impressionnant. À la fin de l’album, toutes les autres choses seront toujours là. Mais en jouant, vous pouvez écouter des chansons qui, qu’elles soient jouées avec une guitare, un synthétiseur ou un ordinateur portable, ont été créées par un autre être humain qui, quelque part dans le monde, ressent probablement la même chose que vous. tu te sens en ce moment

Dans le même esprit, nous allons changer, à court terme, notre focus sur la colonne Friday Seven Essential Lancement. Dans le passé, nous avons limité sa portée aux albums sortis au cours des sept jours entre chaque colonne. À partir de la semaine prochaine, ce sera une liste d’albums sur lesquels le personnel du Daily s’appuiera pour le confort et ce sens de la connexion humaine. Certains d’entre eux seront de nouvelles découvertes, et certains seront nos anciens favoris. Espérons que parmi eux, vous trouverez des choses que vous aimez aussi.

Pour l’instant: ce sont les meilleurs albums d’hiver surréalistes de tous les temps.

—J. Edward Keyes, directeur éditorial

Lisez l’édition de l’an dernier des « Meilleurs albums d’hiver ».

Contre toute logique
2017-2019

Si le premier album de Nicolas Jaar sous l’A.A.L. (Contre toute logique), le surnom signifiait une consommation saine des flirts de toute la carrière du producteur chilien avec la techno, puis 2017-2019 c’est la bande originale de son aventure torride: charnelle mais calculée, vouée, et donc irrésistible. Échangeant les paysages sonores poignants baignés de soleil de son prédécesseur contre des pauses saccadées et des bruits lo-fi, Jaar condamne la piste de danse à ruiner des bangers comme « With An Addict » et « Penny », des pistes assez rapidement et prémonitions pour intimider même les danseurs les plus confiants. Comme l’invitée spéciale, Lydia Lunch proclame à mi-chemin de l’album: « Si vous ne pouvez pas le faire correctement, rendez-le plus difficile. » Avec 2017-2019Jaar a réussi sur les deux plans.

–Zoe Camp

Quinton Barnes
AARUPA

AARUPA Le nouvel album de l’artiste expérimental canadien Quinton Barnes est un mélange d’influences, du R&B et de la soul, à l’électronique et à la pop de chambre, avec Barnes passant facilement de l’un à l’autre. Dans le synthétiseur « NO BINARY », Barnes retourne le récit de la chanson d’amour traditionnelle pour devenir une déclaration d’amour-propre. La chanson-titre, avec ses basses percutantes, est hyper-dansable, et le underground « FEMMEDOMME » présente la voix déformée et séduisante de Barnes. Le style de Barnes défie la catégorisation et les indices excentriques AARUPA guider les auditeurs dans un voyage d’auto-exploration et de définition.

–Diamond Sharp

Moses Boyd
Matière noire

Même si Matière noire C’est une promenade venteuse à travers le jazz, l’afrobeat et l’électronique, elle a été écrite dans des circonstances précaires. Moses Boyd pensait au Brexit et le scandale Windrush à l’époque et, par conséquent, des nuages ​​de tristesse pèsent sur les sillons festifs. « Je me disais: » Suis-je britannique si vous pouvez expulser des gens comme moi [West Indian] grands-parents ?, Boyd a déclaré plus tôt cette année. « Avons-nous de l’importance si Grenfell peut brûler avec des gens là-dessus, puis sont institutionnellement couverts? Il y avait une obscurité là-bas. Finalement, Matière noire L’album le plus révolutionnaire de Boyd, un majeur audacieux pour les pouvoirs en place. Il trouve également qu’il rompt avec le titre de « batteur de jazz britannique » qui a l’air d’essayer de le secouer depuis quelques années. Matière noire Il est destiné aux danses de danse et aux festivals en plein air, et des chansons telles que « BTB » et « Y.O.Y.O » sont de grands instruments instrumentaux qui invoquent la légende nigériane Fela Kuti. À la fin, Matière noire est destiné à enregistrer la résistance.

Lisez notre interview avec Moses Boyd.

–Marcus J. Moore

Dépanneur
L’Angleterre est un jardin

Faites de la musique rock rétroactive, ou même simplement la musique rock«Cela a été une entreprise risquée au cours de la dernière décennie, mais c’est peut-être encore plus exponentiellement maintenant que nous sommes dans une période de purge entre les mondes. Ce n’est pas un problème pour Cornershop, qui transcende sans effort le temps, l’espace, l’est, l’ouest et plus de genres que vous pouvez compter pour aider à la célébration. L’Angleterre est un jardin, premier album du groupe en huit ans. C’est une sortie ambitieuse qui utilise avec bonheur suffisamment de tropes de la musique populaire britannique (glam, Britpop, The Beatles / Stones / Zombies, psychedelia, etc.) pour faire du titre une description appropriée de ce qui s’y trouve. L’Angleterre est un jardin Cela semble frais et pertinent dans sa politique anti-nationaliste franche, dans ce qui est vraiment juste de la grande musique pop, aussi hymne et accrocheur que jamais. Si ces idées musicales familières se sentent pertinentes dans notre moment présent, c’est parce qu’elles ont toujours été bonnes. Par conséquent, il n’y a pas besoin de souvenirs nostalgiques de l’ancien temps parce que L’Angleterre est un jardin il est là pour nous, maintenant.

–Mariana Timony

Jeremy Cunningham
Le temps là-haut

Artiste de jazz Jeremy Cunningham Le temps là-haut il s’agit de la façon dont un décès peut affecter une famille entière. Se concentrant sur le meurtre de son frère en 2008, Cunningham, basé à Chicago, tisse des notes enregistrées de divers membres de la famille à travers un album rempli de jazz sombre et aérien. Les notes d’ouverture de « Elegy » commencent par des percussions légères avant de se déverser dans les notes vocales des membres de la famille; « The Weather Up There » emmène l’auditeur dans un voyage sinueux à travers des synthétiseurs frénétiques, avant de se terminer par des carillons légers et éthérés. Coproduit par Jeff Parker et Paul Bryan, l’album comprend des contributions de Makaya McCraven et Tomeka Reid. Le temps là-haut Il capture le son de la douleur, l’une des émotions les plus insaisissables de toutes.

Lisez notre album du jour sur Le temps là-haut.

–Diamond Sharp

Denzel Curry / Kenny Beats
Déverrouillé

Un échantillon difficile de deux des forces les plus populaires du hip-hop contemporain: le rappeur animé Denzel Curry et le producteur du moment Kenny Beats.Déverrouillé c’est l’idéal platonique du LP collaboratif. Dans les temps forts comme « Take_it_Back_v2 », les bas menaçants et lourds de Beats fournissent le carburant parfait pour les menaces de coqs de Curry, passant d’une mesure à l’autre du déchirant (« Cold Like Russia / Six Feet Under / Spraying To votre équipage comme un fichu plumeau « ) à carrément hilarant ( » Au crépuscule, l’émeute commence / Beaucoup plus laide que Bubba Sparkxxx « ). Cette première libération conjointe aurait été enregistrée dans une seule période de 24 heures, attestant en outre de la puissante chimie du couple; Entre le rythme parfait et le balayage maximaliste, on pourrait penser qu’ils le font depuis des années.

–Zoe Camp

Dogleg
Combat confus

Dogleg n’a pas nommé son premier album après un Super Smash Bros. Jeu vidéo pour rien. À l’instar du légendaire Gamecube Battle Royale sorti il ​​y a plus de dix ans, l’inauguration de tout le groupe du Michigan se nourrit d’exubérantes agressions, de riffs puissants et de rythmes tendus qui explosent complètement. Avec précaution et subtilité au bord de la route, ils surfent à travers l’indie triomphant (ouvreur «Kawasaki Backflip», moins une chanson qu’un saut à l’élastique avec de la musique), une emo agile parsemée de rire («Fox») et des cris déchirants. intitulé d’après Pokémon (« Wartortle »). Pour la plupart des auditeurs, la dynamique turbocompressée de Dogleg est l’attraction la plus immédiate ici, mais c’est sa personnalité, reflétée par les cris vertigineux et les paroles sincères, qui nous fait revenir à ce puissant Combat confus.

–Zoe Camp

Tica Douglas
le


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Le dernier record de Tica Douglas, Notre Dame Etoile de la Mer, aidez-nous et protégez-nousC’était une méditation sur les zones grises de la vie, animée par la petite voix vulnérable de Douglas et son don vif pour la narration. (Nous l’avons nommé l’un des meilleurs albums de 2017). Cet album était une étude en détail, mais son suivi, le, est une œuvre épique en pleine expansion: 18 chansons divisées en quatre sections, détaillant les difficultés de Douglas avec la dépendance à l’alcool et la récupération ultérieure. Et bien que vous pensiez que ce serait un sujet épineux, l’inverse est vrai. Douglas est un écrivain si élégant, et son chant et sa guitare sont si tendres que le il soulage en fait comme un baume: la voix douce et calme de Douglas n’est pas loin de représenter l’obscurité, mais elle vous assure également que tout ira bien à la fin. L’une des plus belles chansons de l’album arrive très tôt dans « You Are Not ». Douglas laisse les versets se recroqueviller alors qu’ils détaillent les tragédies passées, puis montre tout cela dans un magnifique refrain, où ils chantent une ligne encore et encore: « Vous n’êtes pas la maison dans laquelle vous avez grandi. » Ils gardent cet équilibre tout au long de l’album, et pour tous leurs morceaux difficiles, le atterrit réellement comme l’une des plus jeunes optimiste bûches, ne tirant jamais complètement les ombres, laissant toujours un peu de lumière filtrer sur les bords.

–J. Edward Keyes

dumama + kechou
tampon juju

Aujourd’hui, il est facile d’envier les oiseaux: au moins ils sors. L’aviation est au centre de Dumama + Kechou tampon juju; jeSa combinaison de boucles méditatives populaires et de polyrythmies est destinée à induire une hypnose édifiante. Il y a quelque chose d’assez magique, et à travers leurs huit titres, le duo tisse la réalité dans le surréalisme en utilisant le folklore sud-africain. Ajoutez les bords du dumama sur le dessus et tampon juju c’est une évasion de tout ce qui affecte votre esprit et votre esprit, qu’il s’agisse d’une assignation à résidence imposée par le gouvernement ou de quelque chose de plus personnel. L’étoile montante Angel Bat Dawid apparaît dans « uveni », sa clarinette flottant à travers le mélange transcendant de la chanson de tambours et de mantras spirituels. Ouirésister au juju Il s’agit d’un collage de jazz libre impromptu captivant, un joyau inattendu doté de pouvoirs de guérison profonds.

Lire notre interview avec dumama + kechou.

–Marcus J. Moore

Frank et ses sœurs
Frank et ses sœurs

Ce bijou réédité apporte la musique des parents pop tanzaniens des années 50 Frank & His Sisters, le monde. Originaires de la ville de Moshi, en Tanzanie, Frank Humplick et ses sœurs Thecla Clara et Maria Regina ont formé un trio qui laisserait une marque indélébile sur la musique est-africaine. Rempli d’airs doux et entraînants chantés en swahili, l’album a été en grande partie enregistré dans la ferme appartenant aux Humplicks. L’ouvreur « Mwanangu Lala » (« Sleep My Child ») est une délicate berceuse chantée sur des cordes optimistes tandis que « Shida » (« Problems ») met en évidence l’angoisse et montre la voix forte des trois frères. La réédition jette un regard sur la musique rarement entendue d’un trio pionnier.

Lisez notre album du jour sur Frank et ses sœurs.

–Diamond Sharp

Angelica Garcia
Palais Cha Cha

Avec une vision artistique et une voix dominantes, Angelica Garcia capture l’essence vibrante de tous les points à l’est du centre-ville de Los Angeles en Palais Cha Cha. Plus d’un million de couches de rythmes de danse polyrythmiques entrelacés de manière transparente, d’échantillons en boucle, de guitare, de cors, de synthétiseurs, de cordes, et qui sait quoi d’autre, l’artiste mexico-salvadorien-américain évoque un monde multiculturel vivant à travers de paroles pleines d’images sensorielles: trottoirs en béton qui brillent au soleil, musique ranchera flottant dans l’air, arôme d’agrumes dans les arbres, La Vierge, Le llloronaLucifer « dans le coin / A la recherche d’une faute ». La voix de Garcia est une révélation alors qu’elle crie, crie, trille, halète et émule avec une intensité excitante, savourant chaque syllabe comme un fruit juteux. Il devient même son propre chœur céleste multi-pistes dans la chanson finale « Big Machine », une manière divinement appropriée de fermer un album aussi euphoriquement joué comme une cathédrale en soi. Tout le monde salue Kate Bush d’El Monte.

Lisez notre album du jour sur Palais Cha Cha.

–Mariana Timony

Katie Gately
Métier à tisser

Quand Katie Gately a grandi, sa mère, une ancienne religieuse, a écouté les chants grégoriens dans la maison. Il n’est pas difficile de tracer une ligne directe entre cette Métier à tisserLe deuxième album étonnant de Gately, écrit à la suite de la mort de sa mère. Elle échantillonne et superpose sa voix pour créer des motifs qui font écho à la voix des moines contre les murs de pierre froide. Mais si sa voix, une halte sombre et fantomatique, est Métier à tisser’La caractéristique la plus accrocheuse, les sons qui vous entourent témoignent de votre ruse en tant que concepteur audio. La plupart de la musique Métier à tisser il provient de sons naturels que Gately a fortement manipulés: des loups hurlants, un accident de voiture, des cloches d’église, même la bande sonore de la vidéo de mariage de ses parents, les transformant tous en une sorte d’orchestre étourdi qui se balance et tremble autour de son voix dominante. Il y a une grandeur classique de la musique dans Métier à tisser, qui est écrit spécialement dans la pièce maîtresse de l’album « Bracer ». Au cours de ses 10 magnifiques minutes, Gately alimente la chanson de Scott-Walker en tant que minimalisme, du ballet médiéval de pointe au crescendo de l’art rupestre tonitruant et haletant. Métier à tisser C’est un travail d’une portée et d’une vision énormes, et qui marque l’arrivée d’un rare talent de composition.

Lisez notre interview avec Katie Gately.

–J. Edward Keyes

Jasmine Infiniti
BXTCH SLÄP

Mlle Jasmine Infiniti est arrivée, et si vous ne l’avez pas encore remarqué, vous feriez mieux de vous rattraper. Après son excellent EP 2018 pour Club Chai, OuiLe DJ new-yorkais et producteur de la légendaire House of Infiniti a finalement sorti son premier LP cette année. Leur son, qui pousse la techno queer souterraine dans les royaumes de l’ombre, continue d’évoluer et BXTCH SLÄP l’échantillon fonctionnant avec la portée et la profondeur. Le minimalisme ambiant sombre devient une chanson appropriée sur « NXT2U », avec des voix flottantes et sans paroles passant de démoniaque à angélique. « HOTT » est une maison hardcore avec une mélodie de synthé irrésistible. « YES, SIR » est une techno audacieuse qui grince avec la distorsion; se sent fait sur mesure pour travailler la merde sur le sol. « SPOOKED » est une électro superbement mystérieuse, avec de brusques changements de tempo. Et la fermeture de la piste « SHONUFF » est un voyage acide de 10 minutes à un club inférieur qui promet l’extase, mais dont on pourrait revenir transformé de manière imprévisible. BXTCH SLÄP est une déclaration d’intention audacieuse, complète et personnelle, et sa complexité récompense une écoute longue et répétée.

–Jes Skolnik

Enchevêtrements irréversibles
Qui t’a envoyé?

Le deuxième album d’Irreversible Entanglements, une tempête d’improvisation free jazz qui éclate de colère juste, amplifie et élargit l’appel collectif à l’action présenté lors de ses débuts en 2017. Le chanteur-poète Camae Ayewa (également connu sous le nom de Madre Moro ) dissèque ritualistiquement les relations entre violence systémique et mémoire collective, gentrification et suppression; tandis que ses compatriotes (le saxophoniste Keir Neuringer, le trompettiste Aquiles Navarro, le bassiste Luke Stewart et le batteur Tcheser Holmes) passent d’une crise à l’autre. Sur la piste de 14 minutes et demie, ils construisent un monument commémoratif imposant à Akai Gurley, l’homme non armé de 28 ans abattu par un policier de la ville de New York sur un escalier de Brooklyn; Le « No More » qui en résulte détourne notre attention vers le sud et vers l’extérieur, exhumant les péchés du passé post-colombien des États-Unis au milieu de sillons difficiles. Alors que l’humanité languit à une époque d’incertitude constante et de désespoir implacable, les Enchevêtrements irréversibles travaillent dur pour lutter contre le ventre de la bête, et ne seront pas arrêtés.

Lisez notre interview avec Irreversible Tangles.

–Zoe Camp

mensonge
Tu le veux réel

Le trio de Vancouver se décrit comme du « punk froid », et ce nom prend tout son sens, en particulier sur leurs disques précédents, où les guitares et les voix caverneuses ont rencontré une section rythmique serrée. Mais Tu le veux réelIls semblent s’être ouverts, révélant la lave coulant sous la surface de la pierre. La colère et la frustration ne sont pas nouvelles pour lié, mais une évolution vers des paroles plus abstraites et un territoire musical plus étendu semble être le catalyseur de leur niveau. L’ouverture féroce « Creuser dans le désert » sape cet endroit sur la carte où l’anarcho-punk rencontre le bruit de la roche, tous irréguliers et agités; « Bugs », avec sa guitare frénétiquement grattante et son rythme rapide, ressemble à de l’anxiété étant donné la forme musicale. « Good Boy » est une série énergique de taquineries et de méditations sur le contrôle avec un sauteur final parfaitement chaotique et triomphant (le plus long morceau de l’album à 3:11, c’est un groupe qui connaît la puissance de l’efficacité). Lié a transcendé ses influences pour devenir une véritable force avec laquelle il faut compter, et j’espère vraiment que cet excellent disque leur donnera enfin les applaudissements critiques collectifs qu’ils leur doivent.

Lisez notre album du jour sur Tu le veux réel.

–Jes Skolnik

Hailu Mergia
Yene Mircha

Le pionnier de l’éthio-jazz Hailu Mergia, une légende dans son propre pays pour son travail avec le Walias Band, a conduit un taxi pendant 20 ans à Washington DC, pendant de nombreuses années, même après que Awesome Tapes From Africa ait mis son nom sur ses lèvres. des collectionneurs les plus exigeants. Dans le monde entier. Nous l’avons interviewé en 2018 pour la sortie de sa première nouvelle musique depuis de nombreuses années, l’impressionnant Lala Belu, qui mettait en vedette un maître compositeur, arrangeur, claviériste et accordéoniste au sommet de son art. Il fait de la musique à plein temps maintenant. Yene Mircha c’est un album studio serré qui trouve Mergia penché un peu vers le groove; manque Lala BeluLe sentiment d’urgence, mais la diversité stylistique et la disposition irréprochable pour laquelle il est connu sont pleinement exposés. La chanson titre du blues est légère, les musiciens changent de lèche d’avant en arrière, tandis que des chansons comme la douteuse « Bayne Lay Yihedal », dans laquelle le piano de Mergia joue un contrepoint mélodique tournant à des coups de reggae de son orgue, ils sont un peu plus sobres. « Abiche Nega Nega » est une version funky de la musique folklorique éthiopienne; l’émouvante « Yene Abeba » a un swing évangélique. Ce qui est phénoménal ici, c’est à quel point Mergia est incroyablement facile et cohérent pour que tout sonne; Il est capable de naviguer couramment à travers les styles sans que rien ne semble déplacé, forcé ou déplacé, en particulier dans l’éblouissant « Shemendefer », qui apporte tout Yene MirchaIl y a beaucoup d’articles dans une clôture de célébration.

Lisez notre interview avec Hailu Mergia.

–Jes Skolnik

MHYSA
NEVAEH

NEVAEHLe premier single, « Sanaa Lathan », célèbre les corps des femmes noires. « Brickhouse a empilé la chienne épaisse / Sanaa Lathan, la chienne hip / Construit comme si je venais du Sud parce que je viens du Sud », explique MHYSA, l’alter ego de l’artiste expérimental du plasticien E. Jane’s club. À partir de l’approche la plus terrestre de ses débuts, fantasii, MHYSA se penche sur les questions extatiques et épistémologiques au cœur de NEVAEH. Nommé pour l’orthographe en arrière du ciel, NEVAEH il s’agit de créer un refuge qui transcende un monde dystopique. Dans le « ciel noir » autoproclamé de MHYSA, le salut et un répit de la réalité du buzz sont juste une chanson.

Lisez notre interview avec MHYSA.

–Diamond Sharp

Bleu marine
Àdá Irin


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S’il y a une lumière qui guide la marine à travers Àdá Irin, est sa mère, qui apparaît à la fin de l’album pour donner une conférence animée à son fils. Elle supplie la Marine de se lever et de la féliciter d’être en vie. « Merci de l’apprentissage que nous obtenons », dit-il. Le thème s’aligne sur ce que les autres membres de votre cohorte ont tendance à raper; MIKE, Mavi, Earl Sweatshirt, (Liv) .e, Pink Siifu, Medhane et AKAI utilisent UNIQUEMENT la musique soul réutilisée pour transformer l’anxiété en éclairs d’espoir. La marine est l’un des principaux fournisseurs de ce son, et Àdá IrinEn 30 minutes, il déplore la dépression, le racisme et la brutalité policière sans laisser les pressions du monde l’affecter. « Mon esprit ne peut pas être touché », déclare-t-il dans « Saignement simultané. » J’ai commencé à m’inquiéter moins de ce qu’ils disent au sujet du saut. « Malgré toutes ses réflexions réfléchies, cependant, Navy cristallise l’attention de l’album sur » Life’s Riddle « . «Je ne peux pas», proclame-t-il dans une émission vocale en boucle, «je ne peux pas décevoir ma mère.» Il s’avère que les luttes n’ont pas dissuadé sa concentration.

–Marcus J. Moore

Nazar
Guerre

Sur son nouvel album, Guerre, Le producteur angolais Nazar déterre le passé. Il le fait musicalement: ses chansons sont une variation plus sombre d’un style régional de musique électronique appelé kuduro, qui est né dans les années 1980 pendant une période de troubles civils. Et il le fait aussi par thème. Toutes les chansons parlent, d’une manière ou d’une autre, du prix de ces années non seulement dans le peuple angolais dans son ensemble, mais aussi dans la propre famille de Nazar: son père était un membre actif de l’opposition. Les chansons sont des morceaux tendus et tremblants, un mélange de sons de synthé, de rythmes grimpants et d’extraits de conversation en Umbundu, un dialecte régional, que Nazar a enregistré sur son iPhone. (« Je ne voulais pas traduire des sons pour le monde occidental », nous a dit Nazar dans une interview le mois dernier. « C’est la langue que vous entendriez marcher à travers les villes. ») Une grande partie de l’album semble frénétique: « Immortel ». Des synthés en caoutchouc déséquilibrés qui sonnent comme quelqu’un glisse du bout des doigts à travers une fenêtre mouillée, vers une éclaboussure de fragments vocaux, et une piste rythmique qui sonne comme le claquement d’une mitraillette vide. Dans « Bunker », Hyperdub DJ Shannen SP propose un récit non affecté de soldats adolescents recrutés sur une piste de batterie qui glisse dans et hors de la mise au point. Guerre c’est merveilleux d’entendre, le genre d’enregistrement qui crée votre propre langue et vous apprend à la comprendre au fur et à mesure.

Lisez notre interview avec Nazar.

–J. Edward Keyes

Svitlana Nianio et Oleksandr Yurchenko
Znayesh Yak? Rozkazhy

Enregistré dans un parc abandonné à Kiev après l’effondrement de l’Union soviétique par deux membres de la scène musicale underground ukrainienne, Znayesh Yak? Rozkazhy (qui se traduit par « Know How? Tell Me ») a le sentiment particulier d’être un disque figé dans le temps et existant en dehors de lui, comme une relique d’un rêve à moitié oublié. Construit autour de l’interaction du dulcimer martelé d’Oleksandr Yurchenko et des lignes de clavier Casio de Svitlana Nianio et des voix de soprano en cristal, recouvertes de lavis ambiants de mise en scène alternativement des sonorités évoquant des atmosphères d’intimité silencieuse et de distance nuageuse, les pistes sans titre Znayesh Yak? Rozkazhy ils sont remplis d’un sens de jeu enfantin, effleurant légèrement les bords des néo-folk parfois avec leurs charmantes mélodies à l’ancienne.

Lisez notre album du jour sur Znayesh Yak? Rozkazhy

–Mariana Timony

Jeff Parker
Suite pour Max Brown

Alors que Jeff Parker faisait la musique de ce qui serait son album de 2016, La nouvelle race, Son père est mort. Le produit fini, une compilation de funk, soul et jazz, est devenu un hommage à son héritage. Alors, quand est venu le temps de créer un nouvel album, Parker a voulu rendre hommage à sa mère alors qu’elle était encore en vie. « Je voulais dédier quelque chose à ma mère pendant qu’elle serait encore là pour le voir. » il a dit à Bandcamp Daily. Suite pour Max Brown Il s’agit d’une collection aérienne de jazz principalement instrumental qui se déroule comme une bande rythmique. Les chansons « C’mon Now » et « Lydian » ne durent que quelques secondes, tandis que « Fusion Swirl » est un rythme hypnotique avec une ligne de basse en spirale, des vibrateurs, des carillons et des louanges. Le plus proche de l’album, « Max Brown », est sa pièce maîtresse bien définie. Ode au hip-hop des années 90, le morceau de 10 minutes est une master class pour célébrer ses influences sans imiter leur art respectif. Pendant que la chanson jouait, avec tous ses accords infléchis la nuit, vous pouviez entendre un fort amour pour Roy Hargrove et A Tribe Called Quest, et, bien sûr, pour sa mère.

Lisez notre interview avec Jeff Parker.

–Marcus J. Moore

Ranil
Ranil et son ensemble tropical

Un sens palpable de la fête imprègne Ranil et son ensemble tropicalCollection analogique et lumineuse de chansons africaines rares de cow-girl amazonienne cumbia par le leader du groupe péruvien Ranil, de son vrai nom Raúl Llerena Vásquez, enregistré à l’origine dans les années 1970 et convoité par les creuseurs de caisses du monde entier. Vásquez est une figure légendaire de la musique amazonienne, qui a refusé un contrat d’enregistrement dans la région métropolitaine de Lima pour construire un véritable empire de bricolage dans sa ville natale d’Iquitos, réservant ses propres tournées et créant son propre label, Produccions Llerena, pour garder contrôle de votre Art. Propulsé par les lignes vibrantes de guitare électrique de Ranil et mettant en vedette des morceaux inédits en dehors de la région d’où ils viennent, les chansons Ranil et son ensemble Ils entrelacent avec brio les vallées créole péruvienne, Carimbo brésilienne et Cumbia colombienne avec un psychédélique coloré, un formidable surf et piétinement rock garage de manière infiniment créative et optimiste qui incarne le meilleur de toutes ses influences. C’est un coup de grâce de bonne foi.

–Mariana Timony

RAP. Ferreira
Pages de clair de lune violet

Il n’y a pas de moyen facile dans l’esprit de Rory Ferreira; ses pensées, aussi aléatoires ou mystérieuses soient-elles, viennent de nulle part et de partout, tournant de façon également rythmique. Pendant des années, il avait sorti certaines de ces missives sous le nom de milo. Mais en octobre 2018, il a annoncé qu’il en avait fini avec ce surnom, et ses fans ont paniqué. Ppages lune pleine Il marque une nouvelle direction pour le rappeur: Produit par un collectif appelé The Jefferson Park Boys, c’est son LP le plus nostalgique, remontant à l’ère du mixage jazz et rap au début des années 1990. Et bien que cela ouvre une nouvelle page pour Ferreira, tout le hasard est toujours là; tout, depuis les poses de yoga, les caca de station-service et les extraterrestres, est enregistré. Dans «Masterplan», lui et le groupe refont la chanson la plus populaire de Pharoah Sanders, la descendant sur une ligne de basse, des touches électriques et une flûte. Cela se passe bien jusqu’à ce que Ferreira essaie le yodel comme Leon Thomas; ne serait pas un R.A.P. Gravez sans LOL.

Lisez notre album du jour sur Pages de clair de lune violet.

–Marcus J. Moore

Ras Michael
Vivez par l’esprit

S’il y a jamais eu un moment pour un album pour apporter un réconfort spirituel, c’est le moment, mais le magnifique record de retour de Ras Michael Vivez par l’esprit était même un agitateur d’âme avant de Tout cela s’est effondré. Dans une interview fascinante avec Jeremy Steinberger pour Bandcamp Daily, Michael parle du pouvoir spirituel du batteur de Nyabinghi et met ce pouvoir en pratique dans chacune de ces neuf chansons, qui se concentrent toutes sur ces sonorités profondes, calmes et résonnantes. La représentation de Michael de la tradition spirituelle « By the Rivers of Babylon » est silencieuse et respectueuse, sa douce lecture de sa mélodie simple prenant de la gravité au son des années sur chaque note qu’il chante. « Be As One » bouillonne comme une sauce épaisse sur une cuisinière, des tambours éclaboussant à l’arrière-plan tandis que Michaels prononce un sermon jubilatoire. Même sans les paroles, dont la plupart sont tirées directement de la Bible, l’album a une aura distinctement spirituelle. C’est une musique destinée à calmer les cœurs et les pouls anxieux, redirigeant l’attention vers la communion avec une énergie plus élevée, que cette énergie soit Divine ou simplement le silence qui vient de la méditation. En gardant le record exempt d’appareils modernes comme les synthétiseurs ou les ordinateurs portables ou les rythmes programmés et en respectant strictement les éléments fondamentaux du reggae: guitare, basse, cors de bon goût et ces rythmes cruciaux de Nyabinghi, Ras Michael a fait un album qui est complètement intemporel, et absolument indispensable pour l’instant.

–J. Edward Keyes

Soakie
Soakie

Soakie fait pointer le punk hardcore flagrant, rapide et exubérant directement vers les manifestations quotidiennes les plus banales du pouvoir patriarcal: les garçons de la fraternité (« Nuke the Frats », qui a une part de tueur), les sociétés d’exploitation (« Ditch the Rich « ), législation anti-trans ( » Quel est ton sexe? « ), médiocrité musicale masculine ( » Boys on Stage « ). La chanteuse Summer rebondit en grognant, en hurlant, en affectant les chansons et le dos, et c’est sa gamme d’énergie et de performance qui fait vraiment ressortir Soakie. (Su gemido sin palabras al abrir la impactante « Herramienta de poder » comunica una frustración más pura y sin trabas que la que otros pueden acumular en la retórica didáctica, y wow, eso se siente especialmente relacionado en este mismo momento). Y la banda es más que capaz de mantenerse al día, con riffs perfectamente crudos y tambores potentes. Su sentido de la diversión irónica hace que este disco también sea una delicia: tiene una especie de caos loco que realmente resalta lo absurdo del mundo que está impugnando. El disco se produce con la compresión y la distorsión suficientes para que parezca que está volando desde un PA de sótano de mierda, que es exactamente como quiero que suene un disco duro como este. Enciéndelo y déjate rebotar en las paredes.

–Jes Skolnik

Tugurio de piernas
Tugurio de piernas

La banda Slum of Legs de Brighton es la imagen del caos controlado en su debut homónimo, una colección herméticamente cerrada de himnos externos hechos por corazones punk que secretamente aman un buen gancho pop. Con una producción limpia que pone cada pieza irregular de sus composiciones y elementos musicales en un relieve cristalino, los riffs cortan como cables y las voces colocadas en lo alto de la mezcla, la banda de seis piezas (!) Logran ser a la vez minimalista y compacta. con ideas que parecen estar en desacuerdo entre sí: la simplicidad de una nota a la vez de Slant 6 cumple con los instintos melódicos de los Bangles con los extravagantes años 60 pero 80. mucha disonancia en lugares inesperados, y también violines. Sin embargo, a pesar de la confusión de los sonidos de las influencias más queridas, las preocupaciones de Slum of Legs están muy concentradas en enfrentar el Ahora: « Todos los días vives y respiras / Eres una revolución », dice la letra de « Love’s Not Enough ». « ¿Cómo has sido tan valiente? »

–Mariana Timony

Sotomayor
Origenes

Los hermanos Raúl y Paulina Sotomayor se unieron creativamente bajo su apellido y su tercer álbum, Orígenes, es apasionante. Escrito íntegramente en español, el álbum del dúo de la Ciudad de México se basa en una muestra representativa de influencias musicales que incluyen Afrobeat, cumbia y dancehall. Las convincentes e impresionantes voces pop de Paulina brillan sobre la producción inventiva de Raúl en canciones como el pesado « Mes de la historia latina » de percusión y el dominante electrónico « Menéate pa ‘mí ». El cierre más lento « Ella » es una desviación del ritmo más rápido de las canciones que lo preceden. Con Orígenes, Sotomayor crea un sonido pop de vanguardia propio.

Lea nuestro álbum del día en Origenes

–Diamond Sharp

Villaelvin
Techo corredizo

Techo corredizo the latest album from the Welsh producer Freya Edmondes—here operating under her Elvin Brandhi alias—doesn’t exactly welcome you into its world. The album, which Edmondes recorded in Uganda with a group of artists in the Nyege Nyege collective under the name Villaelvin, opens with the sound of a static-soaked bass drum, thudding away monotonously for 80 straight seconds. It feels like a devilish little test, a way to separate the true heads from the trainspotters: “If you can’t handle me at my Merzbow, then you don’t deserve me at my Actress.” From there, though, the album is off like a shot. Mashing up the cavernous blast beats common to gqom with slithering synths, hyperactive rapping from locals Swordman Kitala and Hakim, and samples from local churches, Headroof is a dizzying, exhilarating listen, landing somewhere between the frenzied chaos of footwork and the spritely bounce of IDM. Once you get past that opening minute and a half, it’s non-stop joy: the squeaking synth in “Kaloli” sounds like someone squeezing a dog’s chew toy, and it’s volleyed between an almost cartoonishly rubbery rhythm track. “Ettiquette Stomp” [sic] uses a split-second sample of a human voice as its primary percussion, alternating it with synths that illuminate and vanish like lens flare. It’s an electronic album that stimulates the brain as it quickens the pulse.

–J. Edward Keyes

Vladislav Delay
Rakka

The Finnish producer Sasu Ripatti, aka Vladislav Delay, was self-isolating before it was a thing: over the interim separating 2014’s Visa and February’s Rakka, he sold most of his studio equipment and made several journeys above the Arctic circle, embarking on solitary hikes through the tundra. The seven songs on Rakka, composed entirely on computer, clearly reflect this harsh, minimalist setting, but don’t call it a nature show; the only signs of life here are the minor-key synth melodies yawning up from the dronescapes, and even then, they’re quick to vanish with a dubby “poof.” What we’re left with is a wilderness both real and imagined, one we’ll want to visit again and again.

–Zoe Camp

Zebra Katz
LESS IS MOOR

Like many, I’ve been waiting for rapper and producer Zebra Katz, aka Ojay Morgan, to put out a full-length since his first single, the Paris is Burning-inspired “Ima Read,” blew up in 2012. Eight years (and a handful of solid EPs) later, LESS IS MOOR is no disappointment. Morgan, who has resisted major-label distribution and attention in favor of complete artistic control, keeps sharpening the sinister atmospherics and insistent beats he’s known for. His hooky flow, right at the front of the mix for a sense of real intimacy, is as able to speak plainly about physical and emotional desire (“Blush,” “Moor”) as it is to get a dancefloor jumping (“In In In”); when the beat-less, acoustic guitar-driven R&B lament “Necklace” arrives, it’s breathtaking. “Necklace” leads right into the uncompromising “Sleepn,” in which Morgan demands accountability from a world that continually undervalues Black artists, and Black queer artists in particular (“Such a fuckin’ lady but don’t call me Daisy/ I ain’t scared to say ‘Think twice’ and ‘Fuck you, pay me’”). Katz may only be one of Morgan’s personas (he’s a trained actor, and Katz first made an appearance in his 2007 thesis), but Morgan has breathed such life into him that LESS IS MOOR stands on its own as a phenomenal, multidimensional work.

–Jes Skolnik

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